TEXTO TEATRAL

09.07.2015 14:51

 

Definicion de texto dramático

El conjunto coherente de enunciados que forma una unidad de sentido y que tiene intención comunicativa a través de sus signos se conoce como texto. El drama, por otra parte, es una forma de presentación de distintas escenas mediante su representación con actores y diálogos.

El texto dramático, por lo tanto, es aquel que representa algún conflicto de la vida a partir del diálogo entre los personajes. La noción de drama permite nombrar, en forma genérica, a cualquier obra escrita por un dramaturgo donde los hechos tienen lugar en un espacio y tiempo determinados.

 El fin del texto dramático es la representación de sus contenidos frente al público. El drama incluye tanto al texto escrito para el teatro como a la obra teatral (susceptible de representación escénica).

Es importante tener en cuenta que la acción del texto dramático no es narrada de forma directa por el dramaturgo, sino que acontece a partir de la acción y el diálogo de los personajes. Dichas acciones, por lo tanto, pueden ser vistas por los espectadores en una representación teatral.

Otras de las características principales que tiene todo texto dramático es que puede estar escrito tanto en prosa como en verso. Y todo ello sin olvidar que existen dos tipos de textos dentro de aquel: el principal y el secundario.

En el caso del principal podemos establecer que es aquel que se presenta a su vez a través de tres formas diferentes:

Diálogo, es decir, las conversaciones de los personajes de la historia. Se convierte en lo que sería el soporte de todo cuanto acontece y gracias a él se produce el avance de lo que es la acción.

Apartes. Bajo esta denominación se encuentran esos momentos en los que un personaje concreto de manera breve, y pareciendo que ninguno de los otros le oyen, realiza un comentario. Esta intervención, que sólo el público oye, suele ser de tipo cómico.

Monólogo. Como su propio nombre indica, es el parlamento que realiza un personaje sin dirigirse a nadie en concreto, por regla general. Simplemente lo que trata de hacer es expresar en voz alta sus miedos, sus ilusiones, sus sentimientos…

Por otra parte, dentro del texto dramático dijimos que estaba también el texto secundario. Este podemos definirlo como el conjunto de anotaciones, explicaciones e indicaciones que tienen que ver con lo que es la representación dramática. De esta manera, nos encontramos con el hecho de que a través de aquel se dejan patente cuestiones tales como los sonidos, los movimientos, el vestuario de los personajes, el ambiente en el que debe desarrollarse la escena…

Se dice que el texto dramático está compuesto por lo que efectivamente ocurre. Es posible distinguir entre grandes tipos de textos dramáticos: el drama, la tragedia y la comedia.

El drama o tragicomedia combina elementos de la comedia y de la tragedia, donde el espacio para la risa se armoniza con los momentos dolorosos. La tragedia, en cambio, intenta generar una catarsis en el receptor y suele culminar con acontecimientos nefastos. La comedia, por último, se centra en la comicidad y en la exageración y ridiculización de los conflictos.

GENEROS TEATRALES

OBRAS MAYORES

 
TRAGEDIA
Obra dramática de asunto elevado en la que intervienen personajes enfrentados a fuerzas invencibles (el destino, la culpa...).
 
DRAMA
Texto dramático de conflictos menos trascendentes que los de la tragedia. En el siglo XVII, recibió el nombre de tragicomedia.
 
COMEDIA
Texto teatral que representa el lado festivo y alegre de la realidad, con acciones de la vida cotidiana y desenlace feliz.
 
 
OBRAS MENORES
 
AUTO SACRAMENTAL
Texto teatral de tema religioso y personajes alegóricos de tema eucarístico.
 
ENTREMÉS
Pequeña pieza teatral de carácter cómico y personajes populares que pretende divertir al espectador. Se representa en los entreactos de una comedia mayor.
 
MOJIGANGA
Género dramático del Siglo de Oro español. Consiste en un texto breve en verso, de carácter cómico-burlesco y musical, para fin de fiesta, con predominio de la confusión y el disparate deliberados, explicables por su raigambre esencialmente carnavalesca.
 
Se representaban en el entreacto de las comedias del Siglo de Oro español. Destaca el agudo humor y el dominio de la jerga de los bajos fondos que provocaba la hilaridad con crítica social. También era propio un tono especial al cantar, el tono "de jácara o de jacarilla", característico de esta composición.
 
Composición breve en verso que se escenificaba antes que el primer acto o jornada de una comedia. Al principio era un monólogo; luego se transformó en una conversación con una máxima acción dramática. Se precedía de unos tonos musicales, cantados a veces, con guitarras, vihuela y arpa, que se reiteraban tras su fin.
 
SAINETE
Obra cómica de ambiente y personajes populares que, en uno o más actos, se representa en una función independiente.
 
FARSA
Obra que, para lograr un fin cómico, exagera la acción o los caracteres de los personajes hasta hacer grotesca la realidad.
 
VODEVIL
Comedia ligera y evasiva de intriga, que basa la acción en equívocos, ingenio y sentido del humor. Generalmente es de temática amorosa y alterna escenas dialogadas con números musicales.
 
 
OBRAS MUSICALES
 
 
ÓPERA
Obra teatral compuesta para el canto. En ella confluyen literatura, música, danza, escenografía y artes plásticas.
 
ZARZUELA
Obra ligera, de carácter popular, en la que alternan la declamación, la música y el canto.
 
OPERETA
Especie de ópera, de asunto frívolo y carácter alegre, en el que predomina la sátira.
 
REVISTA (o musical)
Espectáculo teatral de carácter frívolo en el que alternan elementos dialogados y números musicales.
 

 

 

Puntuación en un guión teatral, del guion a la voz

El uso de los signos de puntuación proporciona al texto una estructura que facilita la lectura y comprensión del mismo; así, éstos se utilizan para: 
Estructurar un texto. Delimitar las frases y los párrafos. Hacer énfasis en las ideas principales. Ordenar las ideas secundarias. Eliminar ambigüedades. El correcto uso de los signos de puntuación asegura la adecuada articulación de lasunidades de significado que integran una frase o un párrafo. Por eso los signos de puntuación requieren un empleo muy preciso; si se ponen en el lugar equivocado, las palabras y las frases dejan de decir lo que el autor quería decir. Cuanto más resalten los signos la estructuración del contenido (tema central, subtema, idea, detalle), será más coherente y preciso el texto. 
La puntuación varía según el estilo de escritura; sin embargo, las diferencias de estilo que se puedan presentar no eximen a nadie de cumplir con ciertas normas mínimas y de evitar errores generalmente considerados como inaceptables. De ahí la importancia de conocer y aplicar las normas básicas de la puntuación. 
Sin embargo, hay que advertir que más allá de cualquier norma establecida, los signos de puntuación componen también la arquitectura del lenguaje y por ende del pensamiento escrito. En este sentido, y tal y como sucede en poesía desde hace más de un siglo, no existen normas exactas para reglamentar el correcto de uso de los signos en las partituras, tanto narrativas como poéticas. En términos de principios y parámetros, los signos de puntuación entrarían a formar parte de los parámetros del lenguaje y en consecuencia se sitúan en un proceso de constante evolución y son variables que pueden depender de otros factores. Si la finalidad última es la comunicación, podría resultar paradójico encontrarnos con licenciasortográficas que no respetan el modo convencional de escritura y que sin embargo expresan a la perfección los conceptos y los ritmos internos, invisibles de otra...

En los punto y coma(siempre soñe con volar; volar muy alto), bajo la entonación; En las comas(,) y los puntos(.) subo la entonación; si las comas se repiten seguidamente, se le llama cadencia o suma(,siempre soñe con volar, volar muy alto, tocar las nuves.), es decir que sube la entonación hasta el punto; en los puntos suspensivos(...), la ultima bocal se alarga, en caso de consonante, corto la frase y alargo el silencio; en los paréntesis, cambio el tono (quiebre) y uso el subtexto como apoyo; en los dos puntos(:), bajo la entonación y hago una pausa mas prolongada que la del punto; el signo de admiración (!) es aprobación o protesta, si este solo se encuentra al final de la frase, es donde tenemos que dar la intención.

 "La voz como expresión del actor"

 

  • Sonantes (M, N, L, R) : una sonante (o sonorante) es un sonido del habla que se produce sin turbulencia en el flujo de aire al atravesar el tracto bucal

  • Labiales (P, B) : Las labiales son consonantes articuladas con ambos labios (articulación bilabial) o con el labio inferior y los dientes superiores (articulación labiodental).

  • Sibilantes (S, X, Z, C) : que se pronuncia como una especie de silbido

  • Sibilantes arrastradas (LL, Y) : que se pronuncia como una especie de silbido prolongado

  • Oclusiva (CH) : es un tipo de sonido consonántico obstruyente producido por una detención del flujo de aire y por su posterior liberación. El término consonante plosiva se reserva para las oclusivas orales (no nasales), aunque algunos autores clasifican sonidos nasales como [m] o [n] no entre las oclusivas, sino entre las continuantes nasales, porque aunque en el tracto vocal si se bloquea el paso del aire por un instante, se permite que parte del aire salga por la nariz.

  • Oclusiva sorda (D) : se pronuncia produciendo una oclusión del flujo de aire con ambos labios, y luego liberándola, de tal modo que el aire escape por la boca y no por la nariz; al mismo tiempo, las cuerdas vocales vibran.

  • Oclusiva sonora (T) : La consonante plosiva u oclusiva bilabial sonora es un sonido consonántico presente en numerosos idiomas; La plosiva bilabial sonora se pronuncia produciendo una oclusión del flujo de aire con ambos labios, y luego liberándola, de tal modo que el aire escape por la boca y no por la nariz; al mismo tiempo, las cuerdas vocales vibran.

  • Dentales (F) : se utiliza labio y dientes para su pronunciación

  • Explosivas (K, Q) : El aire es bloqueado por un momento, y luego liberado. En Castellano, corresponden a las consonantes

  • Explosivas continuas (J, G) : El aire es bloqueado por un momento, y luego liberado en flujo continuo

 

 

El análisis de mesa del texto:

Motivación-Objetivo-Conflicto-Acción-Emoción

 

En la primera etapa de sus investigaciones Stanislavsky proponía reunir al elenco en torno a una mesa y hacer una cuidadosa lectura y análisis del texto seleccionado. Se trataba de un trabajo básicamente teórico en el que se abordaban distintos enfoques del texto dramático (histórico, psicológico, ideológico, etc.) y se investigaban las relaciones y características de los personajes. Se trabajaba en torno a cuatro líneas:
1- línea de pensamientos: determinar qué piensan los personajes respecto de los otros y de las situaciones. Es en esta línea en la cual aparece el concepto de subtexto: aquello que se esconde, que está por debajo del texto. Respondería a la pregunta ¿qué quiere decir verdaderamente el personaje cuando dice lo que dice?
2- línea de imágenes: está relacionado con lo sensorial, con las imágenes provenientes de la percepción de los sentidos. 3- línea de acciones: consiste en pensar cuáles serían las acciones que llevaría a cabo el personaje en cada una de las situaciones del texto.
4- línea de las emociones: es la única involuntaria e inconsciente.
Las tres primeras líneas se van construyendo a partir del análisis teórico del texto y de las situaciones, luego se pasa a la práctica de la representación, en la que el actor intentaba, en el escenario, reproducir o recrear aquello que había encontrado racionalmente en la mesa. Como resultado del concatenamiento de estas tres líneas debía aparecer la cuarta, la de las emociones. Pero pronto la práctica demostró que esta estrategia en lugar de ayudar al actor le dificultaba la tarea. Dado que no existía una búsqueda orgánica, la cantidad de datos conscientes que tenía acerca de su personaje lo bloqueaba.
Más tarde revisó esta concepción inicial de trabajo del actor y planteó entonces que antes de sembrar una semilla, era necesario preparar el terreno, para que ésta sea recibida. El actor debía buscar y analizar las situaciones en las que se encontraba su personaje, con todo su instrumento psicofísico. Aparece de este modo la importancia de la improvisación en el proceso de búsqueda del personaje.
Asimismo descubrió que la división en líneas también era incorrecta, ya que en el momento de ejecutar una acción el actor iba anudando simultáneamente las otras líneas. Es en la línea de las acciones físicas donde se encuentran o movilizan las imágenes, los pensamientos y las emociones. Lo cual lo llevó a invertir el proceso: Creer para accionar se transformó en Accionar para creer.
Sin embargo, con relación al análisis de mesa, Stanislavsky no se contradijo. Simplemente, descubrió que el momento de hacerlo debía ser otro. No al comienzo del trabajo del actor, sino en el momento adecuado, después de que el actor "en caliente", hubiese encontrado lo esencial de su personaje y de las situaciones. Es entonces cuando el análisis de mesa adquiere sentido, ya que sirve para que el actor profundice su búsqueda y no lo paralice.
*El método de las acciones físicas:
Todo el sistema de Stanislavsky gira en torno a una finalidad: la aparición de estados emocionales auténticos en el actor y en un elemento central: la acción.
En este contexto, se entiende por acción a "todo comportamiento humano tendiente a producir una modificación". Es su capacidad transformadora lo que la caracteriza. Esta transformación podrá operarse en el entorno, en otro sujeto o en el propio sujeto agente de la acción; pero siempre conducirá a la emoción.
¿Qué es lo que genera la acción? Un conflicto. ¿Qué es el conflicto? Es el choque o enfrentamiento de objetivos opuestos. Existen tres categorías de conflictos: intersubjetivos, con el entorno e interiores. ¿Qué es el objetivo? Es aquello que el personaje quiere. Responde a la pregunta ¿qué quiere el personaje? A su vez, siempre existe una razón por la cual el personaje quiere lo que quiere, es decir una motivación. Responde a la pregunta ¿por qué el personaje quiere lo que quiere?
Esquemáticamente el sistema de Stanislavsky propone lo siguiente:
“Motivación-Objetivo-Conflicto-Acción-Emoción”.
El actor deberá entonces dividir el texto en unidades conflictivas. Stanislavsky propone dividir la pieza en trozos. Esta división no se da por la situación de los personajes, ni por la disposición determinante de tal o cual escena, sino por la acción o acontecimiento principales. Propone así, un análisis activo de la pieza. Luego habrá que determinar qué tipo de conflictos se desprenden del texto.
Encontrar cuáles son los objetivos del personaje y ver si esos objetivos se oponen a los objetivos de otros personajes (conflictos intersubjetivos). Luego será necesario examinar si el entorno no genera obstáculos a los objetivos del personaje (conflictos con el entorno) y si su accionar no le acarrea contradicciones internas (conflictos interiores).
Una vez efectuado este análisis, se pasa a las improvisaciones. La improvisación es una investigación en el plano de los hechos, en la cual el actor asume en nombre propio los objetivos del personaje. En la lucha por esos objetivos se generarán conflictos e interrelaciones con los otros personajes y con el entorno, lo que generará las acciones, las que producirán emociones. Así, paulatinamente, el actor ira creando su personaje, irá "transformándose" en él.
Creemos que no es correcto plantear el método de las acciones físicas como una oposición a sus descubrimientos anteriores. Lo que plantea el maestro ruso en sus últimas investigaciones es una nueva metodología de abordaje de la escena y del personaje. El valor nuclear de la acción ya lo había formulado mucho antes